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Matthias Weischer

Uno de los artistas más importantes del arte contemporáneo llegó al CAC Málaga para presentar In the space between, su nueva colección. Aprovechamos la oportunidad para conversar con él acerca de su obra y de la pintura.


Por:  Lakshmi I. Aguirre
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Artista referencia en el arte contemporáneo
Exposición In the space between
Nació: en 1973
Ubicación: Leipzig
Destaca por: su manera de entender el espacio y de captarlo tanto con elementos del realismo como del surrealismo
¿Sabías que? ha elaborado, especialmente para el CAC, un grabado sin título como homenaje a España y a Andalucía

Fernando Francés, director del Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, lo presentó como “un artista de referencia en el arte contemporáneo por su mirada, por su manera de ver los asuntos de nuestra contemporaneidad y porque ha conseguido darle una vuelta de tuerca más a lo que ya está inventado”. Matthias Weischer ha cautivado a la crítica internacional con los interiores que plasmaba en lienzo y que le permitieron optar a la Beca Rolex a través de la cual pasó a ser el protegido de David Hockney: “ Es una de las becas más interesantes y originales que existen, en las que un artista consagrado se convierte en el protector de uno joven con el que convive durante un año y al que muestra sus conocimientos. Una manera de asegurar el relevo generacional artístico”, explica Francés.

Tras su estancia en Villa Massimmo en Roma, una de las escuelas de arte más importantes del mundo, Weischer da un giro de 180º y sale de los espacios cerrados para representar la realidad del exterior: “Necesitaba respirar”, explica el artista, “los interiores eran demasiado sintéticos, la realidad me permite transmitir más sensaciones”. Directamente influenciado por la Academia de Leipzig, cuyos profesores se formaron en el realismo soviético, “Matthias Weischer está a medio camino entre el arte conceptual y el arte académico”, comenta el director del CAC, “comparte con el surrealismo la superposición de objetos en espacios vacíos e impersonales que dejan al espectador contrariado. La idea de pintura no acabada posibilita otras caminos de exploración”.

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In the space between, como su propio nombre indica, es un lugar intermedio en el pensamiento del artista y en su propia obra, una colección formada por los últimos interiores del artista alemán y por sus primeros exteriores, que suponen para Weischer “una toma de conciencia de los cambios que se han sucedido en mi obra, de mi propia transición como artista”.

Jardines frondosos, habitaciones vacías en las que confluyen imágenes oníricas y formas geométricas de gran concreción, ventanas entreabiertas a los espacios que obsesionan al Matthias Weischer.

P. ¿Según Aristóteles, el espacio es algo poderoso y difícil de captar. Los críticos aseguran que usted lo ha conseguido.

R. Estoy totalmente de acuerdo con Aristóteles. Ésa era mi mayor meta, era la conexión que necesitaba entre los interiores y los exteriores: el espacio. Cuando logras captarlo, te das cuenta de que has encontrado un lenguaje para transmitir su pureza, para encerrar su generalidad.

P. Muchas de sus obras son de una fisicidad asfixiante, algunos espacios son claustrofóbicos, pero en la mayoría de ellos la mirada siempre encuentra una salida, respira a través de la naturaleza que invade edificios, habitaciones. ¿Qué obsesiona a Matthias Weischer?

R. Muchos de mis cuadros muestran una pequeña ventana, ya sea en forma de lienzo, de agujeros en las paredes, a través de la cual se vislumbra el exterior pero no hay posibilidad de escape. Los interiores están basados en recuerdos, aunque transmitirlos no ha sido mi interés primordial. Quizá el cambio que he dado al exterior haya sido una manera de eludir el pasado en el que estaba encerrado, de ese afán por contar historias. El exterior es un mundo más real, más puro, que más que emociones basadas en recuerdos de historias pasadas, transmiten sensaciones. Ahora eso me interesa más.

P. ¿De qué modo ha influenciado David Hockney el cambio en tu obra?

R. Hockney es una gran amigo de los paisajes. Ya conocía su obra antes de trabajar con él y lo que más me atraía de ella era que él cambiaba continuamente de camino, que nunca se había quedado fijado en un estilo o en una temática. Me encantó conocerle en el momento en el que le conocí, cuando ya había alcanzado sus metas. Aprendí muchísimo con él e intenté aplicar sus ideas desde otro punto de vista, lo que me abrió nuevos caminos por explorar.

P. Heidegger definía el acto de espaciar como una liberación de lo selvático para el habitar del humano, pero en tu obra las personas son casi inexistentes o casi fantasmagóricas. En cambio, la naturaleza se ha ido abriendo paso. ¿Es una predicción de futuro?

R. No lo entiendo como una predicción. Es sólo un paso adelante, explorar el exterior. El ser humano siempre va a estar presente en mi obra, porque aunque no aparezca en el lienzo, es él el que va a estar frente a la pintura, siempre va a estar observando.

P. Nombrar a Picasso es inevitable. Ha marcado un antes y un después en la historia del arte español, andaluz y mundial. Pero ha llegado a convertirse en un producto, en una herramienta publicitaria. ¿Cómo puede un artista acercarse al éxito y alejarse de todo lo que conlleva?

R. Es parte inevitable del proceso, del sistema en el que vivimos. La gran fama lleva a eso. Pero no devalúa, por necesidad, el valor del arte.

P. ¿Está de acuerdo con que la saturación de la imagen ha llevado a su banalización?

R. No estoy seguro de ello. Lo que sí creo es que el hombre utiliza la imagen como una barrera entre sí mismo y la realidad. Habitualmente, en los museos, las personas fotografían y graban en vídeo los cuadros, capturan una imagen de una imagen, lo que en vez de aproximar al ser humano a la realidad del cuadro lo aleja.

P. Parece que en el concepto actual de arte no hay parámetros, que todo cabe bajo el nombre de vanguardia. ¿Podría definirme qué es una obra de arte?

R. Estoy de acuerdo con la existencia de la confusión acerca de qué es arte y qué no. Yo puedo hablarle de los criterios que sigue mi obra exclusivamente. Pero tengo la sensación indefinible e indescriptible de que después de ese periodo del ‘todo vale’, existe un afán de encontrar nuevas y válidas normas de referencia.

P. ¿Cuánto de mentira hay en los museos de arte contemporáneo?

R. El tiempo lo dirá. En cincuenta años se sabrá cuántos payasos hay actualmente en los museos.

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1 comentario

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El 6 Noviembre 2010 a las 8:58, jorgeortegapintar@yahoo.es dijo...

Me ha sorprendido y me ha gustado poder leerla.



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